la vi hace ya muchos años, me pareció una distopía narrada con una estética elegante.Iniciado por Redios
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Es eso, y mucho más, mereció cada centavo que se invirtió en su ardua búsqueda de fragmentos por el mundo y su posterior restauración, hemos de estar agradecidos a la Wilhelm Friedrich Murnau Stiftung por devolverla a su auténtico ser.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
De nuevo volvemos a la sala de proyección para relataros sobre un filme en particular, esta vez, dedicado a alguien en particular, @Enûma Elish, a quien sé que le gustará.
Hoy toca cine silente, me remontaré a la década de los veinte, los locos veinte, primera Edad de oro de la cinematografía norteamericana, y en concreto, a uno de los filmes clave del horror gótico de ese país, quizás su película más icónica, se trata de “El fantasma de la ópera (1925)”, dirigida por Rupert Julian bajo los auspicios de Universal Pictures, y al frente de ésta, un hombre, que fue referente del cine de terror de dicha era, Carl Laemle.
Carl Laemle
Rupert Julian
La obra se basa en una novela del excepcional escritor galo de misterio, Gaston Leroux, creador entre otras, de, “El misterio del cuarto amarillo” ó “El perfume de la dama de negro”. La trama gira en torno a la dicotomía del amor/desamor de Erik, un antiguo y antaño célebre compositor de la Ópera de París, y su ensoñación con la Prima Donna de dicho teatro, Christine Daaé, los intentos por conquistarla, conseguirle el papel principal en la representación del momento, “Fausto” y la posterior caída en desgracia de todo. No os relataré mucho más, puesto que mi intención es que apreciéis la obra, disfrutando de un visionado.
Vamos a los detalles filmográficos, en los papeles principales tenemos a uno de los actores, que quizás por su peculiaridad y profesionalidad extremadamente dedicada, se pueda considerar el primer multidisciplinar de la historia, sino, el mejor de ellos, Lon Chaney, “el hombre de las mil caras”, que, interpretando, como no podía ser de otra forma, a Erik, consigue uno de los retratos de patetismo, horror, lástima y también, empatía, del personaje de la novela, su personificación del fantasma es la más recordada y celebrada de todas las habidas y por haber, puesto que es icono inconfundible de un género que hoy día, simplemente, no existe.
Para ello, Chaney, dispone de todo su arsenal creativo y recrea, desde cero, el personaje. Su habilidad para el maquillaje, con la delicada y peligrosa técnica del colodion (una resina altamente tóxica que el actor usaba en su propio rostro para deformarlo), y algunos recursos de fortuna muy ocurrentes, como introducir unos aros metálicos en sus fosas nasales y su majestuosa y natural maestría para la pantomima, nace, Erik, el más genuino, el más auténtico, terrorífico y creíble de los fantasmas.
Para el papel de Christine Daaé, Mary Philbin, una de las habituales damas del cine aquel tiempo, que sin ser tan celebérrima como algunas otras, como Mary Pickford ó las hermanas Gish, denotaba un gusto exquisito para interpretar a la diva del Bel Canto.
Entremos en la miga del desarrollo y producción del film, para ello, Universal no escatimó en gastos de diseño y decorados, creando, desde los cimientos, una auténtica réplica del Teatro de la Ópera de París, a escala real en más de un detalle, como la fachada y el gran salón y escenario, las escalinatas centrales, dotado todo de un gusto envidiable y un glamour que nos invita a sentarnos en la platea y admirar la sesión de la noche, bajo en inmenso Chandelier.
Y aún no se acaban las sorpresas, este film, esconde en su interior, una gema multicolor, si, multicolor, una escena en el primer y pretérito technicolor de la época muda, el baile de máscaras en la escalinata central del teatro, en la que Erik, aparece caracterizado como la Máscara de la muerte roja, de Edgar Allan Poe, un verdadero tesoro digno de ser admirado, ya no por su rebuscado alarde técnico, sino, por la delicada ambientación, representación de la escena y por supuesto, belleza y detalle de cada uno de los trajes aparecidos en ella.
Todo lo demás, escenas de danza perfectamente coreografiadas, el tránsito por las lúgubres catacumbas, las intrigas, la trama, repleta de giros inesperados, os lo dejo oculto, para que podáis admirar la magnificencia de la película, que bien vale los 107 minutos de su metraje. Poned especial atención a la escena del desenmascaramiento de Erik, pues conforma uno de los pináculos del horror gótico estadounidense.
Tráiler.
Y la película en si.
Última edición por Rediós; 05/10/2017 a las 17:47
Hoy toca sesión doble y os voy a traer otro bocadito altamente sabroso para una noche de misterio e intriga, voy a trasladarme hasta un género que me es muy apreciado, el “film noir” ó cine negro, uno de los puntos fuertes en la cinematografía norteamericana, en esta ocasión, una obra señera, tanto por el planteamiento de la acción, como la personalidad poliédrica de los personajes ó el rebuscado e intrincado uso de la técnica fílmica en toda su extensión, se trata de “Sed de mal (1958)”, dirigida por el “enfant terrible” de Hollywood y del mundo, Orson Welles.
Ya desde el comienzo, vemos que la película gozará de unos alardes técnicos inalcanzables para un equipo cualquiera, la cabecera de la obra, con ese inmenso plano secuencia, uno de los más celebérrimos de la historia y probablemente, el de mayor duración conjuntando complejidad y discurso narrativo a la par. Nos muestra algunas claves de la acción que se desarrollará durante la trama y al tiempo, nos presenta a algunos de los personajes con los que hemos de familiarizarnos.
En una cuidad fronteriza con México, zarrapastrosa, polvorienta y decadente, se nos presenta un atentado contra uno de los hombres relevantes del lugar, lo cual causa un revuelo de dimensiones gigantescas, pues su asesinato, desestabiliza la ya de por si, débil economía del lugar y da paso a una serie de planificaciones siniestras para obtener el control de la situación de la ciudad.
Casualmente se encuentran en el lugar, el flamante fiscal del distrito Mike Vargas, excelente y correcto Charlton Heston, que pasa su luna de miel con su esposa Susan, una espléndida Janet Leigh, y por supuesto y cómo no, acude a la resolución del caso, el policía Hank Quinlan, interpretado por un pantagruélico Orson Welles, que está inmenso, y no sólo de tamaño físico.
Jalonan a estos intérpretes, otros de la talla de Marlene Dietrich, en el papel de una cabaretera que alberga un pasado con Quinlan y Akim Tamiroff, en el rol del jefe de la familia mafiosa local, los cuales tienen muchos intereses encontrados con la situación creada.
Marlene Dietrich, a la derecha de Welles (Quinlan)
Akim Tamiroff, a la izquierda de Welles (Quinlan)
En el apartado técnico, hemos de señalar la excelente banda sonora de Henry Mancini, muy adecuada para el endemoniado ritmo de la acción mostrada, y por supuesto, la fotografía de uno de los más grandes Russell Meety, que consigue unos claroscuros, unas sombras (hasta tres a la vez por personaje en algunos planos), y una ambientación lúgubre, negra, siniestra, que os envuelve y nos vuelca de lleno en la acción, haciéndonos partícipes del temor a qué ocultarán esas sombras que nos persiguen por el metraje.
El inspector Quinlan, condecorado y muy conocido por resolver los casos más complicados, esconde en su interior, un atisbo de verdadera maldad, y es que, para conseguir esas confesiones de los maleantes, esas excepcionalmente rápidas resoluciones de los casos a los que se enfrenta, es capaz de todo, incluso de llegar a fabrica pruebas falsas para incriminar a los que él cree sospechosos, pero, en esta disquisición, se encuentra con un rival al que hacer frente, el justo y siempre magnánimo Vargas, que quiere que la realidad del caso salga a la luz, siendo los verdaderos culpables los llevados ante el imperio de la ley, y no un cabeza de turco cualquiera, como suele resultar de los métodos de Quinlan.
Para ello, Vargas, pone a prueba su temple e incluso, arriesga la seguridad de su recién desposada Susan, en una trama macarrónica, en la que la familia Grandi tiene mucho más que intereses.
Quizás la anécdota más relevante de esta obra es el litigio de Welles con Universal Pictures para conseguir que la palícula fuese llevada al público en su máximo esplendor, ya que tras el término del rodaje, la productora, recortó y editó a mansalva, consiguiendo destrozar el genial trabajo del director, a la par que guionista y protagonista.
El golpe definitivo fue una carta de Orson a la productora, contando con el apoyo implícito de Heston, de 58 páginas (algunos guiones de hoy día no tienen siquiera esa extensión), en la que exigía las modificaciones y vuelta de la obra a la edición original. Gracias a la buenaventura de dicha misiva, es que podemos hoy día, disfrutar una de las piezas clave del “noir”, tal como la concibió su creador, y probablemente, la que metió el genero de lleno, en la modernidad, aparte de brindarnos el placer de admirar extasiados, ese increíble plano secuencia de más de tres minutos, que es una delicia y magistral clase de narrativa fílmica para cualquiera que desee dedicarse al séptimo arte.
Y ahora, mi tradicional contribución al hilo, espero que sea de gusto o por lo menos, sirva para revisitar un clásico, uno de los que siempre quedan en boca de todos. Esta obra, destinada por Warner Brothers a ser una de tantas de la época (una era en la que el estudio sacaba películas como ristras de salchichas, incluso con los mismos repartos en papeles similares, teniendo includo tramas parecidas y desarrollos de las mismas similares, equipos técnicos comunes, vamos, toda una fabricación en cadena de productos de entretenimiento), como iba diciendo, esta en concreto, dada la sincronía en el tiempo con unos acontecimientos concretos que turbaron al mundo, las huidas desesperadas de refugiados judíos de Europa hacia la ansiada tierra de las oportunidades norteamericana, tuvo su gloria particular garantizada por el tema espinoso que conformaba su argumento principal, hablo, cómo no, de la inolvidable ("Casablanca", 1942), un hito en la historia cinematográfica, por las razones antes mencionadas, muy importantes a la postre, ya que convirtieron a la película en un auténtico estandarte para la causa y encumbraron a sus protagonistas al estadio de leyendas vivientes, el elenco, de sobra conocido, Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Conrad Veidt, Paul Henreid, Claude Rains, Peter Lorre, Sydney Greenstreet y muchos más, que han quedado en la memoria colectiva, bajo la dirección del gran Michael Curtiz, experto en pergueñar obras que al paso del tiempo, quedan como ejemplos de hacer cine con mayúsculas.
La obra circula en torno a las desventuras de los refugiados para llegar a América tras pasar por el Marruecos francés (buscando los ansiados visados), dominado por el gobierno títere de Vichy, que en clara connivencia con el Reich alemán, tratan de impedir el paso a un individuo muy particular, Victor Laszlo, jefe de la resistencia en Checoslovaquia, hombre que les ha jugado todas las malas pasadas posibles a los nazis, pasando incluso por muerto, que viene acompañado por su mujer, Ilsa Lund, cruzándose en sus caminos, y siendo el personaje que medula la obra por entero, un antiguo amante de Ilsa, Rick Blaine (Bogart), quintaesencia del mezquino y cínico por excelencia, pero con un corazón enorme en el fondo, y una predilección por las causas perdidas que le ha llevado a quedarse clavado en Marruecos.
Los diálogos están llenos de golpes magníficos, frases lapidarias y otras recordadas hasta la saciedad en miles de películas posteriores, por ejemplo, aquella escena en la que Blaine es presentado al Mayor Strasser, y cuando éste le pregunta por su nacionalidad, Blaine le espeta, "soy borracho", y otra en la que hablando con Ugarte, el peligroso y oscuro ladronzuelo del lugar, Rick, ¿tú me desprecias, verdad?, Blaine le suelta, "si llegara a pensar en ti, probablemente", y por supuesto, la famosa frase, malentendida en miles de ocasiones, realmente nunca dicen "tócala otra vez, Sam", dicen, "tócala, Sam, toca de nuevo, el tiempo pasará", una melodía que nos transporta a los cinéfilos de forma inmediata al recuerdo de esta obra inmortal.
Una de mis escenas predilectas, es aquella en la que entran un grupo de alemanes montando jaleo y se ponen a cantar una de sua canciones patrias "Die Wacht am Rhein", y ante esto, los franceses del lugar, marroquíes, y de todas nacionalidades, arengados por Laszlo, comienzan a cantar la Marsellesa, himno de Francia y canto a la libertad universal, se ponen los pelos de punta en esos emocionantes momentos, que siempre recuerdo con añoranza.
Un apunte curioso más, el actor Dooley Wilson, el celebérrimo Sam de la película, no tenía ni idea de tocar el piano, se puede notar esto en los encuadres en los que sale a lo largo de la obra, en que se observa claramente que sólo pone en práctica una mímica que a todas luces hoy día resulta cuasi ridícula, con sus codos y manos moviéndose de una manera totalmente contraria a lo que sería un auténtico pianista.
Os dejo algunas fotos.
Michael Curtiz.
Los personajes en distintos momentos.
Gracias @Redios, para mí este hilo es oro.
Gracias a ti por pasarte a leerlo.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Efectivamente, es Billy Wilder, y CC es Cameron Crowe. Tengo ese libro y es una maravilla, yo diría que imprescindible para cualquier cinéfilo.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.Supongo que B.W. es Billy Wilder
Me suena haberle oído algún discurso así en alguna entrevista
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Me lo apunto!El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
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Anda, no dije el título, jeje.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
"Conversaciones con Billy Wilder"
Era fácil de buscar, pero graciasEl mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
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pillo sitio...
Hola a todos compañeros, lo prometido es deuda y vengo a presentaros una de las obras cumbre del expresionismo alemán de los años 20, realmente esta película fue la primera en recibir el honor de inaugurar el estilo, se trata de ("El gabinete del Doctor Caligari", 1920).
Su especial estética procede del ingenio, las luces y sombras, los retorcidos y angulosos decorados, casi cubistas, tienen su germen en la poca disponibilidad de materiales y de energía eléctrica en la época, producida por DECLA-BIOSCOP y filmada en los que más tarde serían los celeberrimos estudios de UFA (Parufament), la mayor productora de Alemania en la era.
Vistos los decorados, la manera de filmación, lo particular de su propio planteamiento (que no desvelaré del todo, para aquellos que no la hayan podido ver), es el film que dio carta de nacimiento al subgénero, otras como Nosferatu (presentada en este foro) y El golem, continuaron la estela que marcó este filme señero en el universo cinematográfico.
En principio, la dirección le fue propuesta a Fritz Lang, pero éste, enrolado en muchos otros proyectos, declinó la oferta, no sin antes aportar algunas de las partes clave del planteamiento, las cuales son la clave para enentendimiento de la obra en su conjunto.
En el elenco actoral, podemos encontrar a los actores relevantes de la época, como Conrad Veidt (Césare, el sonámbulo), Werner Krauss (Doctor Caligari) o Lil Dagover (Jane), A Veidt lo recordaréis de Casablanca, en su papel del temible Mayor Strasser, ya en su época de Hollywood.
Os relato un poco la línea general de la película, el Doctor Caligari, director de un establecimiento para enfermos mentales, encuentra a Césare, un sonámbulo auténtico,y fantasea con la posibilidad de poder manejarlo a su antojo para cometer todo tipo de tropelías, incluso llega a exhibirlo en un circo ambulante. Mediante la hipnosis y sus conocimientos de la mente y comportamiento humano, logra que el pobre enfermo, llegue a cometer crímenes de asesinato, contra distintos "enemigos" del doctor, que le ponen trabas en un principio para, por ejemplo, exhibir a Césare en el circo. Durante el transcurso de la obra, veremos el interior del "Bedlam" (así se solía denominar a los hospitales mentales de la época), dirigido por Caligari, con sus terribles métodos "terapéuticos", también asistiremos a la aparición de algunos personajes internados allí, que serán claves para el desarrollo de la trama, no os cuento más, para no estropear el final, tan inesperado como apabullante.
Sólo os conmino a ver esta magnífica película, que bien valen los ochenta y pocos minutos de duración de su metraje, para poder apreciar el enorme arte desplegado por los alemanes en el período.
Los prncipales responsables de la creación de esta obra son el director Robert Wiene y el famoso productor de UFA, Erich Pommer, junto a los guionistas Carl Mayer y Hans Janowitz, que elaboraron una trama que aún hoy día impresiona a cualquier aficinado a la gran pantalla, la fotografía, ingeniosa, tenebrosa, sugerente y excelsa, pertenece al gran Willy Hameister.
Robert Wiene.
Erich Pommer.
Werner Krauss.
Caligari.
Conrad Veidt.
Césare.
Lil Dagover.
El cartel de la obra.
Os pongo la película en un enlace de Youtube, para que podáis disfrutarla.
Un saludo.
Ayer (por fin) vi El acorazado Potemkin. Seguro que se me escapan muchos detalles, aún así me impresionó.
Me sorprendió ver algunos planos, como los del barco, primeros planos de las caras, la parte de las escaleras es brutal...
Y, sobre todo, la música, es impresionante lo bien que acompaña y da vida a la acción.
Me gustó mucho.
Todo ello es producto de una técnica, llamada, "Teoría sobre el montaje de atracciones", también sumamos el "Tipaz" Eisensteniano (rostros y tipología de éstos), lo de las escaleras de Odessa, quizás de las más icónicas escenas de la historia, parecen interminables sus 192 escalones, sobretodo por la acción del montaje del maestro soviético. Para mi, los planos de la madre sosteniendo a su hijo fallecido por el tiroteo y su faz en primerísimo plano mostrando su horror, son de lo más destacable.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
@Redios, ya tenemos chincheta.
Bastante que me alegro, muy en serio.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.@Redios, ya tenemos chincheta.
Hice una petición formal.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Eres un fiera.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.Hice una petición formal.
Esta te la debo, elige una obra, y me volcaré con ella.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.Hice una petición formal.
De esta tenia poster el Dr Wilson en la serie House MD junto a VertigoEl mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.Hoy toca sesión doble y os voy a traer otro bocadito altamente sabroso para una noche de misterio e intriga, voy a trasladarme hasta un género que me es muy apreciado, el “film noir” ó cine negro, uno de los puntos fuertes en la cinematografía norteamericana, en esta ocasión, una obra señera, tanto por el planteamiento de la acción, como la personalidad poliédrica de los personajes ó el rebuscado e intrincado uso de la técnica fílmica en toda su extensión, se trata de “Sed de mal (1958)”, dirigida por el “enfant terrible” de Hollywood y del mundo, Orson Welles.
Ya desde el comienzo, vemos que la película gozará de unos alardes técnicos inalcanzables para un equipo cualquiera, la cabecera de la obra, con ese inmenso plano secuencia, uno de los más celebérrimos de la historia y probablemente, el de mayor duración conjuntando complejidad y discurso narrativo a la par. Nos muestra algunas claves de la acción que se desarrollará durante la trama y al tiempo, nos presenta a algunos de los personajes con los que hemos de familiarizarnos.
En una cuidad fronteriza con México, zarrapastrosa, polvorienta y decadente, se nos presenta un atentado contra uno de los hombres relevantes del lugar, lo cual causa un revuelo de dimensiones gigantescas, pues su asesinato, desestabiliza la ya de por si, débil economía del lugar y da paso a una serie de planificaciones siniestras para obtener el control de la situación de la ciudad.
Casualmente se encuentran en el lugar, el flamante fiscal del distrito Mike Vargas, excelente y correcto Charlton Heston, que pasa su luna de miel con su esposa Susan, una espléndida Janet Leigh, y por supuesto y cómo no, acude a la resolución del caso, el policía Hank Quinlan, interpretado por un pantagruélico Orson Welles, que está inmenso, y no sólo de tamaño físico.
Jalonan a estos intérpretes, otros de la talla de Marlene Dietrich, en el papel de una cabaretera que alberga un pasado con Quinlan y Akim Tamiroff, en el rol del jefe de la familia mafiosa local, los cuales tienen muchos intereses encontrados con la situación creada.
Marlene Dietrich, a la derecha de Welles (Quinlan)
Akim Tamiroff, a la izquierda de Welles (Quinlan)
En el apartado técnico, hemos de señalar la excelente banda sonora de Henry Mancini, muy adecuada para el endemoniado ritmo de la acción mostrada, y por supuesto, la fotografía de uno de los más grandes Russell Meety, que consigue unos claroscuros, unas sombras (hasta tres a la vez por personaje en algunos planos), y una ambientación lúgubre, negra, siniestra, que os envuelve y nos vuelca de lleno en la acción, haciéndonos partícipes del temor a qué ocultarán esas sombras que nos persiguen por el metraje.
El inspector Quinlan, condecorado y muy conocido por resolver los casos más complicados, esconde en su interior, un atisbo de verdadera maldad, y es que, para conseguir esas confesiones de los maleantes, esas excepcionalmente rápidas resoluciones de los casos a los que se enfrenta, es capaz de todo, incluso de llegar a fabrica pruebas falsas para incriminar a los que él cree sospechosos, pero, en esta disquisición, se encuentra con un rival al que hacer frente, el justo y siempre magnánimo Vargas, que quiere que la realidad del caso salga a la luz, siendo los verdaderos culpables los llevados ante el imperio de la ley, y no un cabeza de turco cualquiera, como suele resultar de los métodos de Quinlan.
Para ello, Vargas, pone a prueba su temple e incluso, arriesga la seguridad de su recién desposada Susan, en una trama macarrónica, en la que la familia Grandi tiene mucho más que intereses.
Quizás la anécdota más relevante de esta obra es el litigio de Welles con Universal Pictures para conseguir que la palícula fuese llevada al público en su máximo esplendor, ya que tras el término del rodaje, la productora, recortó y editó a mansalva, consiguiendo destrozar el genial trabajo del director, a la par que guionista y protagonista.
El golpe definitivo fue una carta de Orson a la productora, contando con el apoyo implícito de Heston, de 58 páginas (algunos guiones de hoy día no tienen siquiera esa extensión), en la que exigía las modificaciones y vuelta de la obra a la edición original. Gracias a la buenaventura de dicha misiva, es que podemos hoy día, disfrutar una de las piezas clave del “noir”, tal como la concibió su creador, y probablemente, la que metió el genero de lleno, en la modernidad, aparte de brindarnos el placer de admirar extasiados, ese increíble plano secuencia de más de tres minutos, que es una delicia y magistral clase de narrativa fílmica para cualquiera que desee dedicarse al séptimo arte.
Si señor, así es.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.De esta tenia poster el Dr Wilson en la serie House MD junto a Vertigo
No sólo de largometrajes vive el ser humano, hoy vengo a traeros algunas series televisivas que recuerdo con especial cariño, por la calidad intrínseca que atesoran en todos los aspectos de su producción.
En primer lugar, la celebérrima “Dallas”, quién no recuerda al ubicuo J.R. (cosa graciosa del doblaje español, que le llamaba tal cual, “Jota Erre”, cuando es sabido que dichas iniciales corresponden en el mundo anglosajón a la palabra Junior, con la que se define al primogénito de una familia, cuando éste lleva el mismo nombre de su progenitor masculino, aunque también coincidía con las iniciales del nombre del personaje, John Ross), estaba interpretado por un actor, Larry Hagman, cuya cúspide consistió casi en este personaje y la serie que lo encuadra.
Os dejo un vídeo de la cabecera de la serie, en la que podéis ver el plantel actoral al completo.
La siguiente, marcó un antes y un después en las sagas familiares provenientes de las pantallas norteamericanas, se trata, por supuesto, de “Dinastía”, que nos narra las vicisitudes de la familia Carrington, unos magnates petroleros de Denver.
En ella, podremos apreciar a intérpretes de la talla de John Forsythe, Linda Evans ó Joan Collins, ésta última, una verdadera dominátrix y mito erótico de la época.
Joan Collins.
Linda Evans.
John Forsythe
Y también os pongo la cabecera, para que veáis cómo las gastaban estas series.
Por último, la que para mi, supuso el culmen de una manera de hacer seriales, que hoy queda en desuso, se gastaban fortunas enteras en adquirir propiedades fastuosas, atrezzo de todo tipo, vehículos de súper lujo, y por supuesto, actores y actrices de nivel. Se trata de “Los Colby”, y en ella, especialmente en ella, puedo atestiguar eso último que escribo, la calidad actoral era imbatible, pues contaba, para interpretar al recordado Jason Colby, cabeza de familia de los potentados californianos, a nada más y nada menos que Charlton Heston, que ya en esta época, alcanzaba por derecho propio, el estatus de mito/leyenda viviente, y porqué no, me voy a permitir la hipérbole, era casi un dios. Con estas bazas, nunca logré comprender cómo el público no terminó de cuadrar con dicha serie, que para mi, queda situada en el pináculo de mis recuerdos en este terreno.
Por cierto, en ella podemos ver a una de las clásicas femme fatale del film noir americano de los 40, Barbara Stanwyck, en un celebrado papel de Constance Colby, hermana de Jason.
También, veremos al recordado Maxwell Caulfield, famoso mito erótico de adolescentes de mis tiempos.
Barbara Stanwyck
Charlton Heston
Maxwell Caulfield.
Os dejo también la cabecera, la música es algo increíble, estas composiciones si que marcaban una época y evocan recuerdos a cualquiera que las haya vivido.
Todas estas maravillas, casi en su totalidad, venían de la mano de Columbia Broadcasting Systems, la famosa CBS que habréis oído nombrar en alguna ocasión, una de las productoras del Hollywood clásico, que mejor se adaptó al nuevo medio.
Qué de recuerdos.
Veía Dinastía las veces que no iba al cole y Los Colby los recuerdo a la hora de cenar, no sé si siempre tuvieron ese horario. No sé por qué Dallas nunca me terminó de enganchar, tal vez era una serie más adulta. Sí que me gustaría ver algún capítulo de todas estas ahora, a ver qué tal han envejecido.
Y puestos a hablar de series, no te olvides de Luz de luna, con buena música de cabecera también.
Otro día me repaso este hilo más a fondo, que está súper bien
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Primero que nada, gracias por pasarte a leer y ver, ¿olvidarme?, seguro que me dejaré muchas cosas apiladas en los rincones polvorientos de mi memoria, pero cuento con vosotros, para que participéis, aportéis lo que más os guste, este hilo lo hacemos tod@s. Muy buena serie la que comentas, el nacimiento de un mito para los aficionados españoles, Bruce Willis, que se ha quedado en el imaginario colectivo dando vida a infinidad de personajes inolvidables. Y por supuesto, Cibyll Sheperd, mito de los adolencentes del momento.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.Qué de recuerdos.
Veía Dinastía las veces que no iba al cole y Los Colby los recuerdo a la hora de cenar, no sé si siempre tuvieron ese horario. No sé por qué Dallas nunca me terminó de enganchar, tal vez era una serie más adulta. Sí que me gustaría ver algún capítulo de todas estas ahora, a ver qué tal han envejecido.
Y puestos a hablar de series, no te olvides de Luz de luna, con buena música de cabecera también.
Otro día me repaso este hilo más a fondo, que está súper bien
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En efecto, el horario por defecto de las series que comento, era el de la noche, ya que se trataba de una costosa inversión por parte de TVE y había que rentabilizar en prime time.
Pero Dinastía la recuerdo por las mañanasEl mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Ya iremos comentando entre todos, seguro, que veo que has posteado algunos de los clasicazos del cine con mayúsculas. Gran hilo shur!
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Pasó a las mañanas en lo que se podría llamar, segundo pase de serie, vamos, el típico y consabido refrito, para exprimir la inversión al máximo. Yo vi estas series cuando fueron rabiosa novedad en nuestro país.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.Pero Dinastía la recuerdo por las mañanas
Ya iremos comentando entre todos, seguro, que veo que has posteado algunos de los clasicazos del cine con mayúsculas. Gran hilo shur!
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Yo es q recuerdo a esa de mañana y las otras de noche.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Eres de cine negro americano? Porque me apetece hacer una pequeña aportación. Esta no es que sea de las más conocidas del género ni de Bogart, pero la vi de peque y después muchísimas veces más y la tengo especial cariño
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Qué buenos recuerdos me traen esas series. Dallas la echaban en la Televisión de Galicia, doblada en gallego. Es mítica y todavía recordada la frase "Estás bébeda, Sue Ellen"
Los Colby no la recuerdo.
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